¿La interrupción causada por el arte de la IA es realmente nueva, o simplemente se siente nueva?
Share
Articulo de la revista freethink
En 1859, el poeta y crítico de arte francés Charles Baudelaire criticó una nueva forma de expresión artística: la fotografía. Este nuevo medio, según él, era "el refugio de todo aspirante a pintor, de todo pintor demasiado mal dotado o demasiado perezoso para completar sus estudios", y abrazarlo era un signo de "ceguera" e "imbecilidad".
Baudelaire consideraba la producción de estos "adoradores del sol" como más artificio que arte: una creatividad enlatada, un sustituto sintético y artificial de lo real. Esta noción podría sentirse igual de convincente hoy en día, al igual que las críticas similares hacia el arte generado por inteligencia artificial. Sin embargo, esta idea también era una falacia.
El arte siempre ha sido artificial. Incluso las palabras comparten la misma raíz latina: "ars" o "artis", que significa habilidad, artesanía o técnica. En otras palabras, actos artificiales de creación. El arte siempre ha sido el producto de nuevas técnicas, desde el lenguaje hablado hasta la escritura, desde los dibujos en las paredes de las cuevas hasta los pinceles, desde las plumas hasta los procesadores de texto. Estas son herramientas que permiten que los pensamientos, sentimientos e ideas trasciendan nuestras mentes y se vuelvan tangibles, transferibles, reproducibles y adaptables.
Cuando aparece una nueva herramienta para expresar el pensamiento y la imaginación humanos, los seguidores de técnicas anteriores a menudo se oponen; su progresismo creativo se convierte rápidamente en conservadurismo creativo. Las ineficiencias de las técnicas antiguas, el esfuerzo y el tiempo que antes eran inevitables, pasan a considerarse virtudes derivadas del sufrimiento y el sacrificio. Quienes adoptan las nuevas herramientas son vistos con escepticismo como falsos artistas: su arte se trata de mera artificiosidad.
Si bien los artistas a menudo se definen por su medio preferido, ya sean escritores, pintores o programadores, es importante recordar que estas herramientas son simplemente envolturas alrededor de la inteligencia humana y su producción más valiosa: la creatividad. Cuando estas herramientas evolucionan, a menudo facilitan la expresión de nosotros mismos. Es un error confundir esa facilidad con la pereza o como evidencia de que los nuevos medios creativos son menos dignos que los antiguos. Como escribió un lector de periódico en una carta al editor en 1897 en defensa de cartas de amor escritas a máquina, las viejas tecnologías a menudo tienen un "glamur sentimental" proporcionado por la antigüedad.
Si bien el conservadurismo creativo es inevitable, nunca es unánime. Con cada nueva herramienta creativa que surge, siempre hay un grupo de progresistas creativos que las abrazan. Estos valientes adoptantes iniciales tienen la tarea de defender estas nuevas técnicas hasta que sean tomadas en serio.
Poco después de que Louis Daguerre ayudara a introducir la fotografía en el mundo, el artista francés Paul Delaroche fue citado como diciendo al ver una fotografía por primera vez en 1840: "A partir de hoy, la pintura está muerta". Sin embargo, esta ocurrencia nunca ha sido verificada y, independientemente de si se dijo o no, Delaroche parece haber cambiado rápidamente de opinión. En una carta, se referiría al avance de Daguerre como un "descubrimiento maravilloso" que era "un inmenso servicio prestado al arte". Samuel Morse, un artista y el inventor de la telegrafía, hizo puntos similares en un discurso dado a la Academia Nacional de Diseño en el que abordó la pregunta: "¿No afectará desfavorablemente el daguerrotipo a las artes del diseño?" Sostuvo que la fotografía estaba "sin duda destinada a producir una revolución en el arte".
Delaroche y Morse vieron lo que la fotografía finalmente sería: una poderosa nueva herramienta creativa. Un milagro para el artista, no un reemplazo. Parece que entendieron que, como hacen los progresistas creativos, todos los medios creativos son artificiales e incompletos, simplemente una forma de canalizar ese rasgo humano más natural y único: la creatividad.
Esta perspectiva difería en gran medida de las opiniones que Baudelaire expresaría más tarde sobre la fotografía, la tecnología y la creatividad: que "los desarrollos puramente materiales del progreso" llevan a la "empobrecimiento del genio artístico francés".
Sin embargo, serían los desarrollos materiales del progreso, como los tubos de pintura, los que darían lugar al impresionismo y empoderarían, en lugar de empobrecer, al genio artístico francés. Renoir diría sobre esta invención: "Sin colores en tubos, no habría Cézanne, no habría Monet, no habría Pissarro y no habría impresionismo". Esta innovación artística, que eliminó la necesidad de mezclar pintura, permitió el surgimiento de colores sintéticos más vibrantes y habilitó la pintura fuera del estudio del artista, fue inventada por John Geoff Rand, el pupilo del también progresista creativo Samuel Morse.
En el siglo XX y XXI, la historia volvería a rimar con el siglo XIX. Surgieron nuevos medios creativos que fueron abrazados por progresistas creativos. Nuevas oleadas de conservadurismo creativo seguirían, mientras que nuevos maestros pasarían de ser rechazados a ser reverenciados.
Donde los tubos de pintura democratizaron la pintura y dieron origen al impresionismo en el siglo XIX, las latas de pintura vieron el surgimiento del arte callejero en la década de 1970, dando lugar a nuevas generaciones de artistas como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y Banksy.
En 1985, Andy Warhol predijo que el arte digital sería la próxima evolución de las herramientas creativas y "superaría a los niños del grafiti". Tenía razón. Pintar sin pintura, es decir, el arte digital, fue quizás el salto más grande en el arte desde el pincel, y Warhol, al igual que Morse y Delaroche, lo veía como un superpoder creativo en lugar de
sacrilegio.
Harold Cohen ya había creado AARON, un programa de arte generado por computadora, en 1973, y Warhol mismo adoptaba con entusiasmo la Amiga como herramienta artística a finales de la década de 1980. Un año después de la predicción de Warhol, Steve Jobs compraría una división de la pionera compañía de efectos especiales de Lucasfilm, renombrándola como Pixar. Steven Spielberg también rompería barreras, utilizando la CGI en Jurassic Park, una decisión que llevó a su supervisor líder de efectos visuales a declarar su propia extinción, solo para descubrir que sus habilidades creativas se transferían fácilmente a la animación digital.
El artista David Hockney fue otro progresista creativo que abrazó nuevos medios con entusiasmo, primero con máquinas de fax, fotocopiadoras y polaroids, y luego a principios de la década de 2000 adoptó el iPhone y el iPad como lienzo digital. En 2011, una de esas obras adornaría la portada de The New Yorker, una obra ampliamente burlada. Fue objeto de burla por los habitantes locales, que decían que habían oído que estaba "dibujando en su teléfono", a lo que él respondió: "Bueno, en realidad, es solo que a veces hablo en mi bloc de dibujo".
Es tentador pensar que la era anterior a la inteligencia artificial generativa, el arte digital, la fotografía, los tubos y latas de pintura era una especie de Edén creativo, los buenos tiempos antes de que los "desarrollos puramente materiales" corrompieran las artes. Sin embargo, la historia nos cuenta una historia diferente, una de revolución tecnológica seguida de evolución creativa, de máquinas y herramientas que amplían la imaginación en lugar de competir con ella. De la fotografía empoderando a los artistas, los caleidoscopios fortaleciendo a los diseñadores, los tubos de pintura democratizando la pintura y, según una tesis de Hockney y el físico Charles Falco, las primitivas cámaras oscuras elevando la pintura realista desde la década de 1400. Si tienen razón, entonces las cámaras no solo disminuyeron el arte realista, sino que también ayudaron a su ascenso. Lo que se pensaba que era el producto de una habilidad natural podría haber sido el resultado de una mejora artificial: como todo el arte es y siempre será. En muchos sentidos, la historia del arte es la historia de la tecnología y de los humanos que mejoran sus habilidades a través de un conjunto en constante evolución de herramientas para comunicar nuevas ideas.